Dibujo Digital

Curiosas son las ilustraciones de Quentin Baillieux,  sus dibujos digitales casi parecen papel cortado y sobrepuesto, no sólo por el recurso de la transparencia, también por las formas geométricas que parecen trozos de papel cortado. Su estílo es abstracto figurativo. “Blue Ridge Mountains” es el título de esta ilustración.

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En el Centro Cultural Tijuana, Baja California México, en colaboración con el San Diego Museum of Art, se presenta en la sala 1 y 2 El Cubo, la exposición Animated Painting, Pintura Animada con una selección de videos que muestran las tendencias actuales en el arte de la animación. Son 21 trabajos realizados por 14 artistas de reconocimiento internacional quienes hacen uso de los tradicionales métodos de dibujo y pintura adaptándolos a los más recientes conceptos y tecnologías de animación.
Pintura Animada es una exposición inovadora y revolucionaria, ya que introduce al arte de la animación a un nuevo contexto artístico conciliando de una manera muy creativa a la tecnología y las prácticas artísticas tradicionales.
La expocición se inaguró el 10 de Julio, pero la exposición estará hasta el 1ro de Noviembre. Si tienes oportunidad de ir a verla disfrutala, porque la experiencia inspira!

El Museo está abierto de Martes a domingo de 10:00 a.m. a 7:00 p.m.
$45.00 m.n. entrada general
$25.00 m.n. niños
$27.00 m.n. a maestros, estudiantes e INSEN.
Domingos entrada libre.

Los artistas son: Branstormers, Sadie Benning, Jeremy Blake, Sebastián Díaz Morales, Kota Ezawa, Ruth Gómez, William Kentridge, Magali Lara, Ann Lislegaard, Takeshi Murata, Serge Onnen, Julian Opie, Qiu Anxiong y Robin Rhode.

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El título del post es un poco ambiguo, porque el proceso de un dibujo siempre es relativo a diversos procesos según el resultado deseado y la forma de trabajo de cada artista. Esta serie de videos que publico aqui resultan prácticos y siguen la manera tradicional de dibujar la caricatura por medio de formas básicas definiendola con layers. Una vez definida la caricatura se realiza con ella una imágen monocromática de claroscuro para establecer las zonas de luz y sombra de la caricatura, se salva aparte. Finalmente se selecciona la paleta de color y después de colorear la caricatura, se coloca en otro layer la imagen monocromática y con la herramienta de blend mode de photoshop, se fusionan las imágenes para darle volumen al dibujo final. Es un proceso bastante común. Tambien existe la libertad de experimentar con los volúmenes sin alterar el resto del dibujo siempre y cuando lo tengas bien separado en layers.

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Estilo Impresionista

Con la popular computadora de escritorio o laptop e internet, es mucho más fácil conocer el medio de la grafica, aprender, exponer y difundir lo producido. Trabajar desde casa nunca había sido tan fácil! Subes tu archivo digital a un servidor de internet para que tu cliente lo baje desde su computadora y listo, lo tiene. Sin embargo, para que el trabajo tenga éxito hace falta más que eso. Pienso que la ilustración como cualquier otro arte gráfico es un camino que se emprende por pasión y los más exitosos gozan de la diciplina creativa y son persistentes.

Hoy en día la computadora es como un lapizote extramultiusos, hace los procesos más rápidos, pero sólo le puedes sacar en la medida en que le metes. Ahí es donde si tienes un talento, se desarrolla.

Por otro lado, quien crea que con software de 3D y efectos de Photoshop ya es ilustrador, está lejos, hay que aprender a dibujar. De hecho, muchas de las ilustraciones digitales que los artistas realizan pasan primero por un boceto a lápiz que luego se escanea para trabajarlo digitalmente. Asi trabajan la mayoría de los ilustradores profecionales, entre el lapiz y la computadora.

Hoy en día la herramienta digital es fundamental para muchos artistas y limitarse a trabajar sólo con los efectos de photoshop no enriquece tanto como conocer el programa completo, hay que conocer y saber trabajar las herramientas que usamos para crear lo que deseamos ver; cada uno debería hacer su propia búsqueda con ellas. Un tip, que frecuentemente es utilizado por los artistas, es trabajar el color por capas para manipularlo mejor y lograr precisamente la sensación que se busca.

En esta era digital, todo se ha vuelto más fácil y accesible. El reto no sólo está en si se tiene o no vocación para dibujar, sino también en el ingenio, la creatividad y que tanto se desarrolla. Finalmente mientras más se sabe más creativo se puede volver uno , puesto que tiene más herramientas y el panorama se hace más grande.

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Las ilustraciones de Carlos Lerma tienen un estílo caricaturizado, son muy dinámicas, coloridas y muy expresivas. Puedes ver otros trabajos de él en devianART.

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Chris Neal tiene un estilo muy particular, recurre bastante a tonos grisaseos y tiene un buen sentido del contraste. En varias de sus ilustraciones aplica un efecto con tonos translúcidos que le da textura y volumen a la ilustración. En cuanto a pespectivas utiliza la sobreposición de planos, tamaños, y por supuesto su manera personal de manejar el color.

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En este cautivador artículo de Jillian Tamaki encontrarás respuestas a preguntas que todo artista se hace. El artículo es un panfleto de su clase en Nueva York de la Parsons School of Design, y está buenísimo… Y tú, ¿de dónde sacas tus ideas?

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Este dibujo lo hice en mi tableta, en illustrator.

Dibujo o pintura digital se refiere a la acción de dibujar o pintar directamente en la computadora. Esta idea no es nueva, y de hecho, se realiza desde hace muchos años y el desarrollo de hardware y software han hecho que sea más fácil y accesible para todos. Hoy en día, en un sentido expandido y algo ambiguo, el arte digital es un término que se aplica al arte contemporáneo que utiliza métodos de producción en masa o media digital (como internet); sin embargo, el término artista digital se usa de manera más generalizada para describir a un artista que hace uso de la tecnología digital para su producción artística (desde el uso de una cámara digital hasta la creación de una ilustración programada). Ha sido el impacto de la tecnología digital la que ha transformado actividades tradicionales como el dibujo, la pintura y la escultura abriendo camino a otras formas de expresión reconocidas como prácticas artísticas, como el net art, arte de instalación digital y realidad virtual. A diferencia de otros programas gráficos, los orígenes de la pintura digital se basan en las tradicionales habilidades artísticas, no en filtros, efectos, técnicas de diseño o programación. En realidad es un proceso muy simple. Una vez que aprendes lo básico, los únicos límites por cruzar radican en el tiempo que le dedicas a la práctica. Una bella imagen puede ser creada en cuestión de minutos!

Illustrator y Photoshop son mucho más que simples programas para editar y diseñar, abarcan un amplio rango de todo tipo de herramientas pada dibujo y pintura digital que se pueden aplicar para crear diferentes efectos deacuerdo a la técnica orientada, lo que nos da una grán libertad de expresión y exploración. Una grán ventaja del dibujo digital es el alivio de poder hacer garabatos, rayones, trazos, pruebas de color, etc… sin tener que preocuparte de causar un desastre cuando tu trabajo hiba bien o depender del suministro del material. Siempre habrá colores, pinceles, aereógrafos, texturas, goma, y todo tipo de cosas interminables para ti. Pero lo mejor de todo es que el proceso de dibujar digitalmente perdona cualquier error, sólo tienes que dar ctrl-z; ningún otro medio te permite borrar 1000 veces sin dañar tu lienzo ni un poquito.
Por otro lado, con illustrator y photoshop puedes crear ilustraciones eficientemente, muy profesionales y de alta calidad para impresión.

Esto ha sido una breve introducción al mundo del dibujo digital. Hay mucho por donde urgar hacerca de este amplio tema, si tienes algo que aportar, por favor comenta, queremos leerte!

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Da un vistazo a este dibujo, es un ejemplo perfecto de crear bocetos digitales, dibujar digitalmente no es tan difierente de dibujar en papel, pero definitivamente te permite mucha libertad en el proceso creativo. Me gustó el estilo como rayoneado. Creo que el sitio está en ruso y me parece que el autor o nickname del autor es Виртуальные открытки II y puedes encontrar más sobre su trabajo dando click aqui.

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01- Se conciente de la calidad de tus herramientas
Es cierto que un artista nunca debe menospreciar sus herramientas, también es cierto que pueden resultar maravillas valiendose tan sólo de la cratividad, pero definitivamente la herramienta que utilizamos para crear una ilustración determinará la calidad final de ésta. No es lo mismo dibujar con la pluma digital que con el mouse, o sobre un cartón que sobre un papel de dibujo; a menos de que el cartón tenga una intención de ser.

02-Mantenlo Limpio
Si tu trabajo es una ilustración a lápiz o un sketch que planeas digitalizar después, procura mantenerlo limpio. Una ventaja del proceso de dibujo digital es que tienes mayor control sobre tu área de trabajo y siempre podrás editarlo cuantas veces sea necesario. Para el sketch, es muy práctico invertir en una buena calidad de luz que te ayude a ordenar y limpiar la ilustración antes de digitalizarla.

Recuerda que trabajar con luz es diferente a trabajar con materia, te recomiendo que el color lo apliques hasta que hayas digitalizado tu trabajo, asi podrás manipular los colores a tu gusto =)

03-La práctica hace al maestro
La práctica te perfecciona. Intenta dibujar aparte de tu trabajo durante 30 min cada día, practica con mano alzada sin apoyarte en el papel haciendo figuras geométricas como circulos, espirales, estrellas, puntos negros de 10×10, e incluso variando el tamaño y la distancia entre las figuras. Esto te ayudará a desarrollar coordinación, mejor pulso y control a la hora de ilustrar además de ahorrarte tiempo al momento de trazar objetos sencillos.
Cuando voy a dibujar, antes de comenzar con la intención de plasmar mi idea final, hago bocetos usando lápiz en una hoja de papel. Siempre los buenos bocetos terminan en buenos resultados, luego los escaneo y los uso en layers diferentes en Illustrator or Photoshop.

04-Crea lo tuyo
No importa que tan malas se vean tu ilustraciones al principio, si continúas dibujando tu trabajo mejorará más, más y más. Asi que mi consejo es no usar las ideas de otros! Encuentra un estilo propio que te ayude a distinguirte entre los que demás colegas. Esto puede tomar un tiempo, pero finalmente valdrá la pena. Cada ilustrador tiene algo único, y es eso lo que hay que desarrollar.

05-Inspiración por doquier
Ahora todo el mundo usa móvil o celular y la mayoría tienen cámara, asi que no te sumergas en un bloqueo de inspiración, sal a caminar, respira, pasea, rie… y fotografía todo lo que puedas, tarde o temprano será una referencia para inspirar tu creación.

06-Definiendo el Color
Cuando comienzes a trabajar sobre tu sketch piensa en la paleta de color que usarás. Los colores teminan de darle un humor o estado de ánimo a la ilustración: alegre, enérgica, triste, agresiva, oscura, cínica, etc… Los colores son aplicados con diferentes propósitos y es impotante tener clara la intención de nuestro mensaje al momento de elegir la paleta de color. Si no te sientes muy preparado para el color, puedes comenzar escogiendo tres colores principales máximo para tu ilustración y usar todos los tonos medios entre esos colores principales como quieras =)

07-No ignores la composición
La composición implica el modo en que acomodamos los elementos en el área de trabajo y es muy importante. Recuerda que toda figura afecta la ilustración y poseen cualidades que debemos conciderar, como: figuras muy oscuras o muy grandotas se sienten pesadas para el ojo y generalmente van en la parte baja del área de trabajo, no arriba. Otro ejemplo es si trabajas con un elemento aislado es preferible colocarlo un poco arriba del centro, más cerca de arriba que de abajo, ya que para el ojo humano el cento óptico del área de trabajo se localiza arriba del centro geométricamente correcto.

08-Dale un respiro a tu mente
Para muchos artistas sus mejores ideas vienen en los momentos más extraños he inesperados del mundo. Si por alguna razón las ideas no caen a ti como gotas de agua, déjalo, haz otra cosa y no pienses en ello por un rato. Esto liberará tu mente del bloqueo donde se encuentra, pero no olvides llevar siempre con tigo una libreta y una pluma o un lápiz por si las buenas ideas comienzan a caer como tormenta en un momento inesperado.

09-Traciende tu área de confort
La mayoría de los artistas quieren perfeccionar aquello en lo que no se sienten tan hábiles, a mi me sucede. Ya sea técnica, anatomía, perspectiva, volumen, proporciones, etc. Es fácil evadir tu área débil y encontrar maneras fáciles para incluirla dentro de la forma de trabajo. Es mejor motivarnos y activamente trabajar en ello para superar cualquier limitación, de esta manera nuestro estílo no estará determinado por nuestras limitantes sino por nuestras capacidades.

10-El mundo alrrededor
Tal vez esto parezca extraño pero tus ilustraciones se verán enriquecidas si haces otras cosas que no tengan nada que ver con ilustrar! Aferrarse a una actividad limita la creatividad no impota cuanta pasión nos despierte y puede terminar siendo al final una actividad frustrante. Asegurate de disfrutar de otras maravillas que el mundo nos ofrece, pasa tiempo con tus amigos, sal a pasear, mueve el cuerpo y disfruta de la naturaleza, de las calles, de los paisajes… Estar frente a la computadora o en el escritorio todo el día no es bueno ni para el cuerpo, ni para la mente. Aprende a disfrutar de tu pasión sin perderte de lo mejor del mundo alrededor!

Les deseo a todos buena suerte en el proceso de crear sus ilustraciones!

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Me encantan las ilustraciones de Lisa Hanawalt, se perciben cualidades humanas y animales en sus personajes antropomorfos. Extraños pero super interesantes! Te gustan los animales? Seguro te gustarán los dibujos de Lisa Hanawalt. También los puedes ver en Flickr!

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"Autumn bike ride" por Sarah Lippett

"Bathtime Blues" por Duncan Barrett

El dúo Británico  Sarah Lippett y Duncan Barrett son los autores de Crayon Legs quienes se especializan en ilustraciones editoriales muy ingeniosas, además tienen un estilo muy definido que comparten. Ambos utilizan bastante el recurso de trazos en bold.

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Encontré este inspirador artículo escrito por Dani Jones, Ilustrador Profesional, que habla básicamente sobre porqué es importante desarrollar un estílo personal en el dibujo.
Lo encuentro muy util para comenzar a dibujar desarrollado mi propio estilo!!
Espero los inspire tambien!

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